L’histoire du cinéma gay est étroitement liée aux combats LGBTQIA+, aux tabous sociétaux, et à l’évolution des représentations à l’écran. Longtemps invisibilisées ou stigmatisées, les personnes homosexuelles ont gagné en visibilité au fil des décennies, à travers des œuvres tantôt codées, tantôt militantes, jusqu’à devenir aujourd’hui des figures centrales du 7e art queer.
Dans cet article, nous retraçons les grandes étapes de cette histoire du cinéma gay, depuis les premières évocations codées du désir homosexuel jusqu’aux œuvres acclamées internationalement comme « Call Me by Your Name » ou « 120 battements par minute ». Une plongée historique, sociale et culturelle, décennie par décennie.
Les débuts : le cinéma muet et les codes cachés (1890 – 1930)
À l’époque du cinéma muet, la censure est omniprésente. Il est impensable de montrer explicitement une relation homosexuelle à l’écran. Pourtant, des réalisateurs jouent avec des codes implicites, des regards, des gestes, ou des situations ambigües.
L’homosexualité dans le sous-texte
Des figures comme le « dandy efféminé » apparaissent dans les comédies, souvent comme stéréotypes comiques. En 1919, « Different from the Others » du réalisateur allemand Richard Oswald, est l’un des premiers films à aborder directement l’homosexualité masculine. Il est rapidement censuré, mais son existence témoigne d’un besoin d’exprimer une réalité cachée.
Les années 1930 à 1950 : Hollywood, Code Hays et subtextualité
Durant l’âge d’or d’Hollywood, le Code Hays, instauré en 1934, interdit toute représentation explicite de la sexualité « déviant[e] ». Le cinéma gay devient un art du sous-entendu.
Les « villains queer » et les archétypes négatifs
Certains personnages, souvent méchants ou désaxés, sont codés comme homosexuels : efféminés, sophistiqués, mystérieux. Cette période voit l’émergence de l’archétype du queer comme menace morale, notamment dans des films comme « Rebecca » (1940) ou « Rope » (1948) d’Alfred Hitchcock.
Les années 1960 : Premiers bris de silence
La chute progressive du Code Hays en 1968 permet au cinéma indépendant et aux réalisateurs européens d’aborder des sujets jusqu’alors tabous.
L’Europe, précurseur du cinéma gay moderne
En France, Jean Genet réalise « Un Chant d’Amour » (1950), un court-métrage poétique et homoérotique. En Angleterre, « Victim » (1961) devient le premier film à employer le mot « homosexual » et à défendre les droits des personnes LGBTQ+.
C’est le début de la reconnaissance du cinéma gay comme genre politique, bien que souvent controversé.
Les années 1970 : Émergence de la contre-culture queer
La décennie 1970 marque une rupture. Après les émeutes de Stonewall (1969), les revendications gay s’intensifient et inspirent une contre-culture cinématographique.
Andy Warhol, John Waters et l’avant-garde
Aux États-Unis, Andy Warhol produit des œuvres provocatrices, comme « Flesh » (1968) ou « Trash » (1970). John Waters, avec son film culte « Pink Flamingos » (1972), brouille les genres et célèbre la marginalité queer.
Ces films transgressifs ouvrent la voie à une liberté artistique nouvelle, bien loin des carcans hollywoodiens.
Les années 1980 : Visibilité croissante, mais tragédie du sida
Les années 80 sont marquées par un paradoxe douloureux : d’un côté, la visibilité gay progresse ; de l’autre, l’épidémie de sida stigmatise à nouveau la communauté.
Cinéma militant et témoignages
Des films comme « Parting Glances » (1986) ou « Longtime Companion » (1990) abordent frontalement la maladie, les discriminations et la peur. Ces œuvres deviennent des témoignages essentiels de cette période sombre.
Le cinéma gay comme outil de mémoire
Certains cinéastes, comme Derek Jarman (« The Angelic Conversation », 1985), allient poésie visuelle et militantisme, construisant un cinéma gay à la fois esthétique et politique.
Les années 1990 : Récompenses, reconnaissance, et queer cinema
La décennie 1990 voit l’éclosion du New Queer Cinema, un mouvement revendiquant des formes narratives libres, des identités fluides, et des récits en rupture.
Figures marquantes
Des réalisateurs comme Todd Haynes (« Poison », « Velvet Goldmine »), Gus Van Sant (« My Own Private Idaho »), ou encore Gregg Araki (« The Living End », « Nowhere ») s’affranchissent des codes traditionnels.
Les films gays deviennent plus complexes, entre marginalité, désir, mélancolie et punk attitude.
Les années 2000 : Mainstreamisation et diversité
Le début du XXIe siècle marque un tournant : l’homosexualité devient visible dans les grands circuits, même si les clichés persistent.
Des succès internationaux
« Brokeback Mountain » (2005) d’Ang Lee, avec Heath Ledger et Jake Gyllenhaal, devient un phénomène mondial.
« Milk » (2008), biopic de Harvey Milk avec Sean Penn, remporte deux Oscars.
Les identités queer commencent à s’imposer dans le récit cinématographique global.
Les années 2010 : Intersectionnalité et reconnaissance critique
Cette décennie accentue l’approche intersectionnelle : les récits gays ne sont plus seulement ceux d’hommes blancs cisgenres.
Diversité des voix
« Moonlight » (2016), chef-d’œuvre de Barry Jenkins, raconte une histoire d’amour gay noire dans un contexte de précarité sociale. Il remporte l’Oscar du Meilleur Film.
« 120 battements par minute » (2017) de Robin Campillo retrace le combat d’Act Up-Paris face au sida, entre militantisme et émotion.
Le cinéma gay devient enfin pluriel, s’intéressant à toutes les strates de la communauté.
Les années 2020 à aujourd’hui : vers une normalisation ?
La décennie actuelle voit une intégration accrue des personnages gays, souvent dans des récits universels. Mais certains critiques dénoncent une forme de « pinkwashing » ou de représentation encore trop édulcorée.
Séries, plateformes et nouvelles narrations
Netflix, Prime Video et d’autres plateformes offrent une visibilité sans précédent aux œuvres LGBTQ+. Les séries comme « Heartstopper », « Sex Education » ou « Young Royals » présentent des histoires gays accessibles, inclusives et touchantes.
Dans le même temps, des films indépendants continuent d’explorer les marges, comme « L’inconnu du lac » (2013) ou « Sauvage » (2018), avec une esthétique plus radicale.
Réalisateurs et figures incontournables du cinéma gay
Réalisateurs clés
Pedro Almodóvar (Espagne) : Une filmographie queer affirmée (« La Mauvaise Éducation », « La loi du désir »).
Xavier Dolan (Québec) : Génie précoce avec « Mommy », « J’ai tué ma mère ».
Gregg Araki (États-Unis) : L’enfant terrible du New Queer Cinema.
Acteurs et actrices
Des figures comme Timothée Chalamet (« Call Me by Your Name »), Cate Blanchett (« Carol »), ou Elliot Page ont contribué à normaliser les rôles LGBTQ+ à l’écran.
L’importance du cinéma gay aujourd’hui
Le cinéma gay ne se limite pas à la représentation. Il s’agit d’un espace de mémoire, de lutte, d’émancipation, mais aussi de plaisir, de désir et d’humour.
Il permet de :
– Combattre les clichés et les stéréotypes.
– Visibiliser des parcours souvent ignorés.
– Offrir des modèles aux jeunes LGBTQ+.
Conclusion : Une histoire en constante réécriture
L’histoire du cinéma gay est celle d’un combat pour exister, être vu, entendu et aimé. Si des progrès immenses ont été réalisés, la vigilance reste de mise : les droits LGBTQ+ sont remis en cause dans de nombreux pays, et les représentations restent souvent binaires ou marketées.
Mais jamais autant de récits n’ont été produits, diffusés, partagés. Le cinéma gay d’aujourd’hui embrasse toutes les identités, toutes les esthétiques, et toutes les formes d’amour.
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